Diferentes tonalidades en el transcurso del día

El efecto cromático que emite la luz a través de fuente luminosa depende de su temperatura. Si la temperatura es baja, se intensifica la cantidad de amarillo y rojo contenida en la luz, pero si la temperatura de color se mantiene alta habrá mayor número de radiaciones azules. 


La temperatura de color de la luz durante el día va cambiando según el momento del día que nos encontremos, ya sea por la mañana o la tarde etc., y las condiciones atmosféricas. Normalmente es de color rosa por la mañana, amarillenta durante las primeras horas de la tarde, y anaranjada hacia la puesta de sol, con una tendencia a un color azul al caer la noche.


A continuación les muestro varios ejemplos de como la luz natural va cambiando con el transcurso del día, y por supuesto, su temperatura de color es diferente:

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12:00pm

4:00pm

8:00pm

12:00am

Narrativa de Color

A continuación les presento una narrativa de un cumpleaños donde pueden ver los ejemplos de la clasificación de los colores antes ya mencionados.

Ahora entraremos en la fotografía a color. El color es un elemento primordial en fotografía. Podríamos incluso decir que el color nos provoca sensaciones, ya sean estas agradables o desagradables. 

La luz
La luz visible esta formada por vibraciones electromagnéticos con longitudos de onda que van aproximadamente de 350 a 750 nanómetros.

Luz blanca - Suma de todos las ondas comprendidas entre esas longitudes de onda cuando sus intensidades son semejantes.
      (RGB) ->  1/3 R + 1/3 G + 1/3 B = Luz blanca

Definimos una radiación como la variación periódica en el espacio, es un campo magnético.

Los objetos coloreados  reflejan luz de forma selectiva: reflejan únicamente los cobres que se ven y absorbe el resto, ocurren en cuatro formas:

• Reflexión selectiva por moléculas de pigmento: luz blanca, verde, tuxteno
• Dispersión: Cuando la luz no llega directa al sujeto porque algo hizo interferencia: lo bloquea las nubes, etc. Genera colores pasteles.
• Difracción: Cuando la superficie tiene pequeñas cortaditas donde entra la luz y no alcanza a regresar por eso se ve tornasol  -> perla, concha nacar, etc.
• Interferencia: Cuando un cuerpo aparentemente esta compuesto de una capa pero genera interferencia con la luz blanca que atraviesa -> Arcoiris, burbujas de jabón, etc.

Teoría del color

Partiendo de los 3 colores primarios (RGB) nos da como resultado la grama cromática.

Espectro luminoso (arcoiris/gama cromática)

Si se dirige un haz de luz blanca a través de un prisma, la luz se dispersa en un abanico de colores, ya que el prisma refracta en diferentes medidas a cada una de las longitudes de onda de luz. El 1ro en hacerlo fue Isaac Newton.

2 tipos de color

• Luz  (RGB) natural, sol. La suma de sus colores da el blanco
• Pigmento (CMY) Creados por el hombre. La suma de sus colores da negro.

Un color complementario absorbe la luz del primario opuesto a el y deja pasar a los otros dos primarios.

El color de un cuerpo depende de:



• La naturaleza de su superficie
• Del tipo de luz que lo ilumina
• Un objeto solo se ve con su propio color si se ilumina con luz blanca o con luz de su mismo color.

Color y saturación

Los colores del círculo se aclaran con blanco y obsucrecen con el negro, afectando así su saturación (pureza del color).

En consecuencia, la iluminación y las propiedades reflectoras de la superficie ejercerán gran influencias sobre la saturación.

Matiz o tonalidad

Se refiere al nombre del color, al tipo de longitud de onda de la radiación.

Brillo

Es la intensidad subjetiva con la que vemos el color (capacitación de la intensidad luminosa reflejada).

Depende del ángulo con que miremos la superficie. La luz blanca no tiene matiz (no tiene color), pero tiene brillo.

Clasificación de los colores

• Primarios -> RGB
  
  
  
• Secundarios -> CMY
  
  
  
• Colores armónicos -> cálidos (RMY), fríos (BCV) y neutros (B/N y gris). No deben tener competencia uno sobre otro. Deben pertenecer a la misma gama tonal (degradación de color).
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
• Contrastados -> Son los opuestos en la estrella del color ( M-V, B-Y, C-R)
  
  
  
• Apagados o pastel -> Son colores combinados con blanco, se capturan con luz diurna pero nublado, emiten tranquilidad, nunca de 12 a 3pm.
  
  
  
• Fuertes o explosión de color -> Todos los colores resaltan, no más de 3 colores en una foto porque pelean, son con colores completamente saturados (RGB, CMY), no poner pares complementarios, se capturan en días despejados preferentemende de 12 a 3pm.
  
  
  
• Aislados -> Es el color que menos ocupa espacio en la foto pero obtiene el mayor peso visual, fijan la atención en el momento.
  
  
  
  
  

Daniela Edburg

Nació en Houston, Texas en 1975. Ella tiene una licenciatura en Artes Visuales de la Academia de San Carlos en la Ciudad de México.

Hace fotografía Kitsh, haciendo una burla a los productos que con el consumo excesivo pueden llegar a asesinar a bellas mujeres pero ella afirma que su obra no es crítica a la sociedad.

Para mi, ella es una fotógrafa que me inspira muchas cosas, ya que aunque sus fotografías son muy críticas, al mismo tiempo son muy publicitarias y eso me gusta, también me gusta el manejo de color que hace, ya que explota al máximo los colores. Para mi es fácil inspirarme en sus proyectos para realizar mis fotos.

La temperatura del color

• Se mide en grados Kelvin.
• Luz blanca = La suma de todos los colores de una longitud de onda.
• La composición de la mezcla varía en función de la fuente luminosa. Ejemplo: La luz de la vela tiene mas rojo que azul por eso es cálida.
• Entendemos como temperatura de color a la cantidad de luz  que emite un cuerpo al ser incidido por esta.
• Para medir la temperatura de un color utilizamos el termocolorímetro.
• Si la temperatura es baja, se intensifica la cantidad de amarillo y rojo contenido en la luz.
• Si la temperatura del color se mantiene alta, habrá mayor número de radiaciones azules. Ejemplo: - temperatura + rojo es.

Gregory Credwson
Nació el 26 de septiembre de 1962, es un fotógrafo estadounidense famoso por sus imágenes surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos. Hace fotos conceptuales con el método HDR (7 rangos) y da un efecto plastificado, como si fueran pinturas.

Bueno, este fotógrafo, para mi tiene mucho parecido con Wilkins al que ya he mencionado antes, ya que el padre de Credwson era psiquiatra y Credwson escuchaba a escondidas las terapias que daba su padre y se le quedaron grabados los problemas que sus pacientes tenían y esto influyó mucho en las fotografías que ahora hace, sin embargo, aunque el ambiente se ve un poco tétrico, siento que gracias al método HDR y a la explotación de colores se ven más amigables.

Hellen Van Meene
Es una fotógrafa holandesa (nacida en 1972 en Alkmaar, vive en Heiloo) y que se dedica a hacer fotos conceptuales con luz natural, principalmente retratos, la mayor parte de jóvenes, principalmente mujeres, con su Rolleiflex 2.8F.  Ella se encarga de arreglar a sus modelos.

Bueno Van Meene tiene un estilo de fotografiar muy peculiar ya que aunque todas sus modelos son mujeres jóvenes, no son las típicas modelos a las que todas las mujeres quisieran aspirar, sin embargo las hace lucir muy bien y se ven cómodas en el ambiente en el que están y me gusta la manera en que lo logra Van Meene.

Nacidos en el burdel

Es un documental realizado por Zana, una fotógrafa que llega al Distrito Rojo de Calcuta, que quería realizar un documental sobre la prostitución pero no la dejaron grabar nada, y es cuando conoce a  8 de los niños que viven ahí (Shanta, Manik, Kochi, Puja, Suchitra, Avijit, Tapasi) y encuentra una nueva razón para hacer su documental, ya que ellos confían en ella y le cuenta su vida a "la tía Zana". 


Ella les da clases de fotografía y les da una cámara a cada uno, en las fotografías de estos pequeños se puede entender lo que ellos viven, de hecho cuando ellos describen sus fotos, las describen de una manera muy profunda, muy profesional, no parece que hablase un niño, ya que ellos viven como adultos porque van a la escuela y  la mayoría del día trabajan y las cosas que viven en su barrio son muy fuertes por lo que ellos tuvieron que madurar muy rápido. Ellos cuentan los planes que tienen en el futuro, pero a su vez ellos dicen que no creen lograr sus sueños, porque piensan que vivirán así toda su vida. 

Los niños muestran mucho interés por la fotografía, que hasta dicen que se les olvida ir a trabajar. Ellos aprenden rápido de sus errores fotográficos y procuran no volverlo a hacer. Zana los llevo de paseo al zoológico y a el mar, y los niños siempre llevaban sus cámaras con ellos, pues les gusta capturar cada momento. 
 
Zana les enseñó foto para que puedan ganarse la vida con esto, pero ella se propuso sacarlos de ese lugar donde vivían y logró que hubiera varias exhibiciones de las fotos de los niños en Nueva York y también en la parte bonita de la ciudad donde viven los niños. También se propuso llevarlos a internados en la misma ciudad para que recibieran una mejor educación y calidad de vida, pues ella no quería que el futuro de las niñas fuera prostituirse o el de los niños drogarse. Después de mucho papeleo y trámites, logran entrar al internado pero pasando el tiempo lo abandonan, algunos porque no se sentían a gusto ahí y otros porque sus padres los sacaron, solo una de las niñas sigue estudiando en el internado y es feliz.

En este documental podemos ver pobreza, prostitución, alcoholismo, drogadicción y a pesar de todo felicidad en las pequeñas cosas, porque los niños saben apreciar todo lo que tienen, creo que Zana supo desarrollar muy bien el tema de este documental porque aunque ella no cambió el mundo, si cambió una parte de el y a porto su granito de arena, no solo con los niños, también con su familia.

El niño que más me causó sensación fue Avijit ya que sus fotos eran muy hermosas, pienso que tiene que ver que el sabía dibujar y su umbral de percepción era aún mayor, el veía más allá de lo que está a la vista, es por eso que lo llevaron a Amsterdam y pudo ver otras exposiciones de foto. 

Cualidades del sujeto y retrato

Se tiene que buscar el ángulo más hermoso del sujeto con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.

La Luz- Es importante que tenga sombras para que no se vea plana. La luz lateral puede ayudar ya que da mayor volumen.

Fondo - Quitarle importancia al fondo haciéndolo borroso para resaltar al sujeto.

Formas para disminuir la profundidad de campo 

• Aumentar apertura de diafragma (núm f bajo)
• Aumentar distancia focal (zoom alto)

• Hay que tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen.
• En retrato, el sujeto puede estar en el centro y la cara puede ocupar casi toda la escena.
• Es recomendable que se vean los hombros.

Flash rebotado

Al rebotar el flash en una pared blanca, se obtiene un suave efecto modelador ya que el flash cae primero en otra superficie antes que el sujeto.

Empleo de un difusor

Para dar un efecto de sombra suavizadas.

Se puede usar un pañuelo, papel mantequilla,etc.

Iluminación frontal

• Suavizada, no dura
• Suavizada mediante e reflejo en la pared detrás de la cámara
• Da un modelado suave y bajo contraste.
• El fondo quedo iluminado.

Luz frontal dura

La luz subraya la forma de la cara y reproduce la textura de la piel en tonos más duros.

No es para retratos, menos para las novias ya que te hace lucir más viejo.

Lámpara a 45º

Algo por encima de la cabeza deja sombras a un lado de la cara.

Reglas de composición

Enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Encuadra/enmarca a través de ventanas, árboles, manos, etc.

Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

Yuxtaposición

Poner varias imágenes, que en la foto, parece que es una misma forma  y esto puede ser de agrada o repulsión visual. 

Regla de los tercios

La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía.

* Es conveniente, para los nuevos fotógrafos, poner la función grid que trae sus cámaras, la cual le permite visualizar una rejilla en la pantalla, y así podrán componer mejor sus fotos.

Centro de interés

¿De que es la foto?

Debe ser obvio

El centro es punto fuerte, pero no hay que usarlo hasta que se domine la regla.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Rellenar el encuadre

En inglés, Fill the frame

Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quítalo.

El interés de los grupos de 3

En fotografía 3 elementos sirven, 2 no ya que se ve muy equilibrado y estático, ni 4, ya que serían muchos elementos.

Regla de dirección

Si alguien esta caminando o viendo hacia un lado, debe quedar aire  del lado al que se dirije.

Más espacio delante de su cara que detrás.

Los debes captar entrando, y no saliendo.

Crea la ilusión de movimiento.

Frente y fondo

No pongas el fondo del mismo color que la figura, para evitar esto, desenfoca el fondo.

 

El ángulo de toma

Horizontal- amable

Vertical- Agresivo, imponente

De abajo hacia arriba-grandeza

De arriba hacia abajo – pequeño

Lineas

Deben ser ordenadas

Dicen para donde tiene que ver el espectador

Generan dirección, lecutra, información de entrada y salida

Aportan formas y contornos

 

Regla de línea de horizonte

Es muy común cometer el error de poner el horizonte en el centro, si lo ponemos al centro, se torna aburrido, pero si ponemos el horizonte más arriba o abajo del centro, en la foto se leerá que es lo que más importa de la foto.

 

Los elementos de repetición

La repetición de algún elemento dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

Fotógrafos II

Pedro Meyer 

• Fotógrafo español, nacido en Madrid en 1935, inmigrado a México.
• Fue fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y organizador de los tres primeros Coloquios Latinoamericanos de Fotografía.
• Publicó el primer CD ROM con sonido e imágenes que se hizo en el mundo, cuyo título es: “Fotografío para recordar”. 
• Recibió la prestigiosa beca Guggenheim en 1987.
• Ha recibido numerosos premios en Bienales de Fotografía Mexicana y la primera beca destinada a un proyecto en la Web de parte de la Fundación Rockefeller.

 

Duane Michals (Pensilvania, 1932)

Fotógrafo estadounidense

• Recibe una beca para estudiar la licenciatura de bellas artes en la Universidad de Denver.
• Hizo después un curso de postgrado en la Escuela de Diseño Parsons, en New York.
• Artista mas importante en E.U.A.
• Incluye manuscritos en las copias para reforzar su significado y esto las vuelve únicas.
• Realizo varias secuencias sobre “lo que podría ser”, lo que le permite crear incertidumbre al espectador, siempre y cuando según la imaginación de cada persona que se enfrenta a sus imágenes.
• En 1958 viajó a la Unión Soviética y con una cámara prestada retrató a las personas que se encontraba.
• Es un fotógrafo americano que acredita su fama y su singular mirada a la falta de educación formal como fotógrafo y autodidacta.
• Su formación fotográfica es autodidacta.
• Sus imágenes se constituyen como una reflexión metafísica sobre la condición humana para la que se sirve de su propio cuerpo.
• Su realidad está formada por apariencias y experiencias asociadas a sus sentimientos.
• Con sus fotografías pintadas juega a la libertad de expresión, busca la polémica pintado sobre imágenes importantes como reivindicación.
• La muerte como gran obsesión aparece en varias de sus imágenes.
• Su obra se caracteriza por la continua búsqueda de identidad, por lo que trabaja en secuencias.

Michiko Kon (Japón, 1955)

• Estudió arte 
• Después se inclinó hacia a la fotografía.
• Vive cerca del mercado de pescados.
• Utiliza los pescados para hacer esculturas y luego las destruye.
• Utiliza doble tensión
•  El arte contemporáneo no es para colgarse, es reflexivo y genera tensión.
• Utiliza cámaras de gran formato.
• La mayoría de sus fotos las realiza con pescados para despertar incertidumbre del porque.
• La técnica que el utiliza ya no se usa porque es muy compleja. El la usa para crear sus bodegones antropomorfos, capturados en un claroscuro donde adquieren un atractivo poderoso y sensual.
• Utiliza fondo negro y base negra transparente que le permite general el reflejo máximo que se aprecia en sus obras.

Kon es uno de mis favoritos, ya que su idea por crear esculturas de pescados realmente me fascinó con su imaginación y creo que el contraste de luces y sombras es bastante bueno en sus fotos.

Richard Avedon (Nueva York, 1923 - 2004) 

Fotógrafo de modas. Purista

• Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años.
•  Su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. 
• Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de ahí realizó trabajos para revistas de moda como Harper's Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. 
• Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos.
• Se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). 
• En sus retratos el trata de revelar la personalidad más sincera de cada persona mostrando como son en realidad las personas.
• Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. 
• En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.

Avedon también es uno de mis favoritos, porque el al ser un fotógrafo purista, se dedicó a fotografiar para revistas, pero no hacía las típicas escenas perfectas con las que el mundo sueña, el capturaba momentos reales y al ver la foto, tu puedes percibir inmediatamente los sentimientos que tiene el modelo. Un ejemplo claro es la foto que registró de Marylin Monroe, antes de esta foto, solo se veían fotos de Marylin sonriendo (posando) pero el logró retratarla al natural, y puedes percibir sus sentimientos reales.